Masayuki Nagare
1923 (Nagasaki, Japon) – 2018 (Takamatsu, Japon)
Masayuki NAGARE était un artiste dit « Samouraï ». Son père, Kojuro Nakagawa, secrétaire du Ministre de l’Education du Japon et fondateur de la Ritsumeikan University de Kyoto, lui assura une éducation à « l’ancienne » dans un temple Zen de Kyoto. De fait, Nagare sera formé aux arts martiaux traditionnels et aux valeurs morales du Samouraï par un maître-forgeron qui lui transmettra l’art des sabres. En 1941, il s’inscrira à la Ritsumeikan University pour y suivre des cours d’art et d’artisanat du Japon. En 1943, il s’engagera dans la marine impériale japonaise où il servira comme pilote « Kamikaze ». Désillusionné après la guerre, il décidera d’explorer l’île d’Honshu – développant ainsi une compréhension du paysage et un intérêt pour la poterie avant-gardiste. Sa fascination pour les pierres tombales – qui survécurent au bombardement atomique – le conduira à choisir la pierre comme principal support de son art. En 1955, il connaitra sa première exposition à la Galerie Mimatsu de Tokyo consacrée à la mémoire des pilotes japonais et américains tombés au combat.
En 1958, lors d’une exposition à la Yoseido Gallery de Tokyo, le fondateur du NY City Ballet – qui se produisait au Japon grâce au parrainage de Mme John D. Rockefeller III – lui proposera de réaliser des œuvres sur le thème de la danse. Ceci marquera le début de sa carrière américaine – avec notamment Mme Rockefeller qui lui achètera en 1959 cinq œuvres dont « Receiving » – première œuvre d’un artiste japonais vivant à entrer dans les collections permanentes du MoMA de New York. Au même moment, Nagare séjournera à Takamatsu pour y travailler la pierre « fine » des carrières d’Aji. En 1962, sous l’invitation de Mme Rockefeller, Nagare s’installera à New York (jusqu’à son retour définitif au Japon en 1975) et commencera à réaliser des sculptures monumentales d’ordre public (ex. « Stone Crazy » – une œuvre de 600 tonnes réalisée pour le Pavillon du Japon lors de la NY World’s Fair de 1964). En 1965, l’artiste sera sélectionné pour participer à un collectif de 46 artistes japonais – « The New Japanese Painting and Sculpture » – qui exposeront leur travail dans huit grandes institutions américaines y compris le MoMA de New York. En 1967, Nagare sera cité par « TIME Magazine » comme l’un des plus grands représentants de la culture moderne japonaise.
Tout au long de sa carrière, Nagare recevra des distinctions (ex. Prix d’Architecture du Japon en 1963, Grand Prix des Arts du Japon de la Shincho Foundation en 1974, ou encore Prix Isoya-Yoshida en 1983). La Staempfli Gallery de New York le représentera de 1963 à 1979. Fort de ce succès, Nagare connaitra des expositions en série dans des musées et autres institutions (ex. Pittsburgh Carnegie International; Kagawa Prefectural Cultural Center; Princeton University; Los Angeles County / Minnesota MoA; Kamakura City / Hyogo Prefectural / Sezon MoMA; ou encore Cologne Museum of East-Asian Arts) – et grand nombre d’entre eux lui achètera des œuvres (ex. San Diego / North Carolina MoA; Takamatsu City / Ohara MoA; San Francisco MoMA; Honolulu Academy of Art; NY Metropolitan Opera House; ou encore Osaka National Modern Art Museum). En 1975, Nagare réalisera la plus grande sculpture en pierre autoportante de son temps – « Cloud Fortress » – qui se dressera entre les tours du World Trade Center. Cette sculpture de 250 tonnes – qui échappera aux attentats du 11 Septembre 2001 – sera finalement détruite pour aider aux opérations de sauvetage. Lors de la catastrophe, Nagare dira d’une voix grave: « Je n’étais pas triste, je pensais juste que nous étions entrés dans une époque terrible ». En 2005, à l’occasion d’une rétrospective au MoMA d’Hokkaido, l’artiste réalisera un format réduit de cette sculpture – « Cloud Fortress Jr. ».
L’art « dynamique » de Nagare – fortement influencé par le Shintoïsme, Bouddhisme et les arts martiaux – inclut les techniques du Warehada (où la pierre est volontairement laissée inachevée) et du Shinogi Awase (où deux surfaces polies se rencontrent). Les lignes épurées de ses sculptures suivent quant à elles la courbure subtile des épées japonaises. Aux dires de l’artiste: « Les choses incréées surpassent parfois les choses créées, et les incréées profitent au maximum des choses créées ».
